Provavelmente já toda a gente fez uma Gravura. Quem não deixou o seu rastro na areia molhada de uma praia, brincou com carimbos ou riscou um lápis de cera sobre uma folha com uma moeda por baixo? Ou até mesmo transferiu com grafite a textura de uma folha de árvore para o papel? Ou ainda, imprimiu uma fotografia digital do seu filho recém-nascido?
Estes vários exemplos simples e que podem ser realizados por qualquer pessoa no dia-a-dia, servem para demonstrar como a gravura está presente no nosso quotidiano, mesmo sem termos bem noção de que a estamos a produzi-la ou a utilizá-la. Seja ela uma gravura mais convencional, na qual apenas transferimos a textura de uma superfície para o papel, quer se trate de uma gravura digital quando imprimimos uma imagem fotográfica para o papel, em ambas as situações, podemos afirmar que estamos a produzir gravuras.
Gravar, parece assim, ser uma coisa fácil e banal já que fazer uma impressão requer gestos tão simples e materiais tão elementares como a argila, a mão, os pigmentos, moldes, cortes, corrosões, etc. A palavra impressão abrange tantas práticas e tantos resultados que podemos detectar processos de impressão nos tempos mais remotos, como por exemplo, as gravuras rupestres, os dinossauros que deixaram impressões na argila ou mesmo um qualquer fóssil.
Efectivamente, pensar em gravura não se restringe a pensar em papel, prensa, matriz, mas sim a um pensamento mais vasto como, por exemplo, pensar num contacto que leva à possibilidade de outra forma, um gesto que responde a outro e esta resposta modifica-se e abre-se em seguida, como se de um pensamento se tratasse, pensar gravura, como pensar desenho. Neste sentido, o pensamento não se descreve como pensamento da gravura, mas como gravura do pensamento, tendo a mesma plasticidade, fluência e consistência que os movimentos no processo da gravura.
Como se pode ver, a complexidade dos processos na gravura, nas questões sobre impressão, contacto, matriz, material, imagem, não são apenas de ordem retiniana, técnica, matérica ou material, ela deixa-nos em suspenso sobre qualquer conclusão precipitada sobre este assunto, por darmos preferência a um olhar superficial sobre o que a gravura suscita, não aprofundando e compreendendo os horizontes físico e intemporais da sua abrangência.
A asa de uma libélula pode ser a fossilização mais longínqua no tempo, como também pode estar conectada com uma sobreposição de traços contemporâneos. Uma imagem pode assim, expor-se num tempo contraditório intrincado na mesma superfície. Os diferentes níveis dos nossos pensamentos são também sobrepostos, como na ideia de anacronismo ou de intercalação que trabalhamos nas camadas das gravuras.
Olhar a arte como um pensamento-gravura ou como uma gravura-pensamento e não querer guiá-la para uma determinação, é uma tentativa de percebê-la através dos seus planos. A gravura compõe-se de várias experiências: passagens, camadas, provas de estado, provas de artista, provas únicas, provas de cor, transferências, pensamentos, sensações, impregnações, escavações, capturas, fissuras, ausências, formas, contra
formas, reentrâncias, distâncias, contactos subtis, intensos, esmagadores, aveludados, cortantes e uma infinidade enorme de muitos outros. Assim, a experiência na gravura torna-se numa experiência nascente que se destaca do todo em sobreposições, o que origina uma experiência de sensações tácteis e pensamentos. O que se passa entre o espaço de uma superfície e o da matriz é uma espécie de inscrição de forças na forma de gravura ou de gravura-pensamento. A percepção destas formas desencadeia de novo novas forças. Assim, é preciso que haja um transporte ou um meio de fazer surgir as formas, uma película, um plano ou uma pele onde possa circular essa energia do movimento das imagens.
Toda esta complexidade que a gravura (tão simples no conceito) origina, ampliou o seu campo de acção sendo por isso uma obra aberta. É nesta linha de raciocínio que os novos media se complementam e ajudam a gravura a manter a sua autonomia no contexto da arte contemporânea.
Apesar da reprovação de uns e do consentimento de outros, do diálogo construtivo ou da sua total ausência, a arte da gravura não pára e continua impávida e serena a sua cavalgada, arrastando consigo todas as suas afilhadas. De facto, se o relacionamento da gravura com a fotografia, provocou a ira e o descontentamento de muitos, hoje, em pleno século XXI, o hibridismo da gravura com outros media intensificou-se e deu origem a novas convulsões e atritos sem dúvida ainda maiores do que os anteriores. Daqui resultaram novos modelos de gravura próximos das concepções gráficas do offset, da gráfica urbana, das instalações multimédia, das composições digitais computorizadas e impressas em vulgares impressoras, da utilização de programas e softwares como o Photoshop ou o Corel Draw.
Ao aliar-se hoje a estes novos media digitais, resultam daqui novas experiências visuais com potencialidades renovadas para a gravura. A sua matriz que no passado era de metal, de pedra ou madeira, adquire agora características imateriais de formato digital e o pixel da imagem substitui o ponto, a linha e a mancha gravados pela acção física do gravador ou por meios alquímicos de ácidos e vernizes, integrando imagens virtuais em suportes informáticos, deixando o papel, numa primeira fase, fora do processo. O resultado destas simbioses mediáticas pode adquirir a forma de instalações, imagens digitais, web-arte, entre outras. Esta nova realidade contemporânea promoveu na gravura a passagem da imagem visual gráfica, impressa em papel para uma imagem visual virtual que existe em primeiro lugar nos monitores dos computadores. Esta passagem para o campo virtual é um tanto drástica, pois passa do peso do átomo do papel e do átomo da tinta para o peso das imagens virtuais, ou seja, para a virtualidade dos bits e dos pixéis, da matéria para a energia e isto é, de facto, uma transformação radical.
O artista gravador de hoje, de certo modo, confronta-se com uma virtualidade que se apresenta como uma janela aparentemente rectangular (o ecrã do computador), como uma nova versão de espaço pictórico, mas que o não é, visto que os elementos de transformação, os elementos plásticos de manipulação, as dimensões que estão envolvidas ultrapassam muito as duas dimensões da página branca do papel e o indivíduo que utiliza estes novos meios confronta-se com situações verdadeiramente inesperadas. Esta “leveza” na expressão criativa, ausente de matéria, confere à criação experimentalista um registo fundamental para a sua inequívoca contemporaneidade, lembrando automaticamente os espaços do “vazio” e aproximando a sua operacionalidade
no meio, aos conceitos de “Obra Aberta” de Umberto Eco, ou aos conceitos
paradigmáticos da arte contemporânea teorizados por Rosalind Krauss que nos fala dessa conquista da arte do espaço vazio e da ausência de obra.
Esta nova gravura digital invade o nosso quotidiano cultural, manifestando o seu vanguardismo pelos museus e galerias de arte contemporânea, nos meios urbanos em forma de arte pública e em bienais a ela dedicadas, mostrando-se viva e em constante transformação, tal como aconteceu sempre na sua história. Ela revela-se novamente como “obra aberta”, não fechando as suas confrontações em si mesma e permitindo sempre ao artista ou fruidor inovar e incrementar novas possibilidades na sua dialéctica. Esta revolução operativa na qual a gravura sobrevive, conquistando novos espaços de dimensão contemporânea, vem contrariar aqueles que a aniquilam e a denominam, injustamente, como arte menor. Talvez estes não percebam o seu determinante contributo na história da arte e da humanidade, e por isso vêm-na apenas como aquela arte artesanal ao serviço da imprensa, não compreendendo ou desconhecendo os passos por ela dados rumo à sua autonomia.
Verifica-se então que no mundo da gravura sempre se evidenciou a constante mutação dos processos de impressão gráfica ao longo da história da arte, ora mais próximos da gravura tradicional, ora mais distantes e em profunda ruptura. Pelo exposto, através da análise das obras mais importantes de gravura e da sua evolução até aos nossos dias, ela delineou um trajecto em direcção a uma atitude que expande os seus limites, não de uma forma subversiva, mas coerente com a sua necessidade de autonomia e subsistência enquanto arte viva. O grande desafio para a gravura, seja ela tradicional ou híbrida, consiste pois, em manter vivos os pressupostos históricos da sua génese, sem renunciar às transformações ditadas pela própria evolução da história da arte, auto valorizando-se com esses contributos contemporâneos. Só assim, ela poderá reivindicar um papel de importância similar ao das outras linguagens.
Os artistas e as instituições não têm que seguir um código imposto. As pessoas mudam, o mundo muda, a sua visão do mundo muda e a arte adapta-se às mudanças e dá o seu contributo para a melhoria do mundo e da sociedade, do homem por dentro e também por fora. Esse aperfeiçoamento da sensibilidade é um projecto aberto que não precisa de seguir um código específico, nem está tão pouco dependente de linguagens artísticas ou questões técnicas. Enfrentamos hoje na arte, novos processos de produção industrial e electrónica, de circulação massiva e internacional e, consequentemente, novos tipos de recepção e apropriação. Na medida em que cresce o domínio do homem sobre esses infinitos meios de informação, opera-se uma mudança no próprio homem e na percepção daquilo que ele produz. A chave, então, está no processo de selecção e interpretação da informação.
Os eventos e as Bienais de Arte podem fornecer essa chave, servir de interface entre o objecto cultural do conhecimento erudito e o quotidiano. Esta chave pode materializar-se através de uma mais clara informação dos diferentes públicos, sobre os aspectos relacionados com as mensagens da arte exposta, dos fundamentos das temáticas escolhidas, das polémicas e relevâncias políticas, sociais e culturais levantadas pelas suas acções na sociedade, pelo uso e emprego de novas tecnologias audiovisuais que penetrem com maior facilidade nos públicos menos atentos e ávidos de estímulos mais interactivos.
O diálogo com a arte vai além do exercício experimental, transformando-se num prazer estético na vida do homem, na medida em que se pode educar alguém por meio da arte, pois ela é capaz de fazer de nós pessoas melhores e mostrar que existem muitos
mundos para além do nosso umbigo. Neste sentido, torna-se incontornável uma maior informação do público, encontrando meios que estejam à altura da sua compreensão, e não responder às perguntas com mais perguntas, realizar sessões públicas com esclarecimentos sobre os artistas, explicar e fundamentar a razão das escolhas e, principalmente, devolver ao público a possibilidade de reencontrar a maravilha, essa percepção que vem da contemplação de um objecto que conciliou a perfeição da forma com a perfeição da ideia. Faz falta, hoje, o exercício da admiração, da empatia. Algo muito na contramão do barulho e da banalidade do quotidiano, das soluções fáceis e descartáveis da cultura de tipo “shopping center”.
Finalmente, convidar os artistas locais para confraternizar com os artistas de fora, para um mútuo conhecimento, ter uma preocupação com a parte social e socializante não só para os organizadores, mas também para os produtores da arte: os artistas e a sua interacção com o público.
Todas estas considerações são tentativas de entender o nosso mundo tão fragmentado e o papel das Bienais de Arte deverá estar a meu ver, precisamente nesta linha de descodificação global da arte e da complexidade das sociedades contemporâneas. Sem apresentar uma conclusão demasiado objectiva, tarefa esta quase impossível em matéria de arte, sem encontrar uma fórmula que resolva as questões levantadas, parece-me que apesar disso, é necessária uma reflexão sobre a gravura no campo ampliado, apontando diversas perspectivas para a subsistência e autonomia da gravura como técnica tradicional, mas também, sobre as vantagens dela se aliar a outras linguagens. É precisamente no equilibrismo sobre esta linha de confronto e através dos “malabarismos” criativos dos artistas, que a gravura pode encontrar o seu circo e projectar-se sem equívocos ou inferioridade no contexto da arte contemporânea.
O Diretor e Curador da Bienal,Nuno Canelas
NUNO CANELAS (Portugal) nasceu em Alijó, no dia 19 de Janeiro, 1968.
FORMAÇÃO: 2007-2010-Mestrado em Arte Contemporânea pela Universidade Católica Portuguesa – Escola das Artes - Porto;
2002-2004-Licenciatura em Artes Plásticas – Pintura pela (E.S.A.P.) - Porto;
1997-1998-Profissionalização em Serviço para o Ensino Artístico (UTAD) - Vila Real;
1992-1995-Curso Superior de Desenho pela (E.S.A.P.) - Porto;
ACÇÕES DE FORMAÇÃO: 2008-Workshop de Gravura Japonesa - técnica CHINE-COLLÈ com orientação de Mami Higuchi - 30º Aniv.º Geninação Porto/Nagasaki - Matriz - Porto; 2003-Workshop de Xilogravura Tradicional Japonesa - UKYO-E (Mestre Hiroshi Maruyama) – AICART - Porto; 2000-Curso de Técnicas de Impressão com a gravadora Irene Ribeiro - Cooperativa Árvore - Porto; 1998-Workshop de fotografia – U.T.A.D.e Instituto Português de Fotografia – I.P.J. Vila Real;
FUNÇÕES/PROJECTOS CULTURAIS: 2018- 1ª Bienal Internacional de Pintura a Óleo de Dafen - Museu de Arte de Dafen - Shenzen - China;
2018 - Convidado da 9ª Trienal Grágica de Bitola 2018 - Museu de Bitola - Macedônia - Prémio Honorário pelo contributo para as Artes Gráficas no Mundo;
2017 - Curador/Comissário convidado em representação de Portugal - DI CARTA/ PAPERMADE – 3ª edição – Bienal Internacional Papermade Art Work Exhibition – Schio – Italia;
2017 – Convidado da 6ª Bienal Internacional de Gravura de Guanlan 2017 – Orador no Fóum/Conferência - “ What is Printmaking?—Print-related Art” – Guanlan (Shenzhen) – China;
2017 – Convidado para a abertura da 'Belt and Road International Printmaking Exchange Project'– Orador no Fóum/Conferência – Dunhuang – China e na Exposição na YAC Print Base - Tianjin (Pequim) – China;
2001-2017 - Curador/Director da Bienal Internacional de Gravura do Douro e fundador do Núcleo de Gravura de Alijó;
2001-2017 - Comissário geral e Júri da Bienal Internacional de Gravura do Douro desde a sua fundação em 2001;
2013-2017 - Curador/Director da GLOBAL PRINT – Exposição Internacional de Arte Gráfica;
2013 – Convidado da 17ª Bienal Internacional de Cerveira e Exposição Individual na Galeria Projeto – V. N. De Cerveira – Portugal;
2008-2010 - Várias viagens de estudo e pesquisa para a dissertação de Mestrado a vários Museus de Nova Iorque (E.U.A.), Porto-Rico (E.U.A.), à Bienal de Veneza (Itália); Milão (Itália), Barcelona (Espanha), Paris (França), Londres (Inglaterra) e ArtBasel (Suiça).
2008 - Artista convidado para realizar uma Conferência sobre Gravura e Arte Contemporânea - Uri Gallery - San Juan - Porto Rico;
2006 - Comissário por Portugal da Bienal Internacional de Gravura de Antuérpia – Prémio Frans Dille – Museum Plantin- Moretus – Antuérpia – Bélgica;
2000 - Comissário da VII Bienal, 1ª Internacional de Gravura da Amadora;
1996 – 1998 - Vice-presidente da Fundação Casa - Museu Maurício Penha;
1995-2010 - Professor de Artes Visuais e Design Gráfico no Ensino Secundário;
1991/1993 - Projecto de pintura de cerâmica com o artista plástico Jaime Baptista na cidade de Gaia;
EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS/COLECTIVAS: Realizou 21 exposições individuais e participou em mais de cem exposições colectivas em Portugal e estrangeiro.
A 11ª Bienal de Gravura do Douro está de volta e não vai querer perder!
Estamos a finalizar os últimos detalhes do site mas entretanto pode ver o programa no nosso flyer.
Curadoria: Nuno Canelas
Existem mais de duzentas Bienais no mundo, mas não é qualquer cidade que consegue realizar uma Bienal. Para uma Bienal nascer e se desenvolver é necessário que exista uma consciência clara de que a questão mais... da identidade no mundo contemporâneo atravessa outros problemas que vão para além das identidades nacionais ou regionais. A construção dessa identidade é muito mais complexa do que a questão da nação ou da região. Uma região predominantemente turística como o Douro, precisa de uma Bienal de arte que afirme internacionalmente o seu empreendedorismo e modernidade além fronteiras.
Assumindo a responsabilidade de ser a única Bienal de obra gráfica do país, a sua evolução desde a sua origem em 2001, colocam-na hoje num patamar inimaginável a par das mais importantes Bienais do mundo. mais... A comprovar tal fasquia, salientam-se as exposições de homenagem a artistas mundialmente reconhecidos como Antoni Tàpies, Paula Rego, Vieira da Silva, Octave Landuyt, Gil Teixeira Lopes, Nadir Afonso, David de Almeida, Bartolomeu do Santos e agora a Júlio Pomar, mas também pela abrangência e internacionalidade alcançada com mais de 1.000 artistas e 100 países representados de todos os continentes.
70 Países, 604 artistas, 1300 gravuras, 17 Exposições (Alijó, Bragança, Celeirós, Chaves, Favaios, Régua, Sabrosa, São Martinho de Anta, Vila Real), Artista Homenageado: Júlio Pomar, Conferências mais... , Workshops, 8 Comissários: Portugal, Brasil , América, Canadá , Itália, Roménia
Júlio Pomar (Lisboa, 10 de janeiro de 1926) é um pintor português. Pertence à 3ª geração de pintores modernistas portugueses. Os primeiros anos da sua carreira estão ligados à resistência contra o regime do Estado Novo e à afirmação do movimento neorrealista em Portugal, marcando a especificidade deste no contexto europeu. Teve uma ação artística e cívica intensa ao longo das décadas de 1940 e 1950 e é consensualmente considerado o mais destacado dos cultores do neorrealismo nacional. Começa a distanciar-se do ativismo político e do idioma figurativo inicial na segunda metade da década de 1950 e, em 1963, radica-se em Paris. Sem nunca abandonar o pendor figurativo, liberta-se do compromisso neorrealista, enveredando pela "exploração de práticas pictóricas diversas que o centrarão na pintura enquanto tal, interrogando as suas formas, composições e processos, pintando das mais variadas maneiras na exploração ou na recusa das possibilidades que o seu tempo lhe abriu". Ao longo das últimas quatro décadas tem abordado uma grande variedade de universos temáticos, da reflexão autorreferencial ao erotismo, do retrato às alusões literárias e matéria mitológica. E do ponto de vista formal encontramos idêntica riqueza de meios e soluções. "A obra de Júlio Pomar constrói sucessivas cadeias de relações formais e semânticas entre os diferentes materiais, processos e técnicas". Grandes exposições realizadas nas últimas décadas (Fundação Calouste Gulbenkian; Museu de Arte Contemporânea de Serralves; Sintra Museu de Arte Moderna – Coleção Berardo; museus de São Paulo, Rio de Janeiro, Brasília; etc.) consagraram a sua obra, que se destaca como uma das mais significativas expressões da criação artística portuguesa contemporânea.
António Canau, Comissário da Exposição de Júlio Pomar, nasceu em Portugal no Gavião em 1963. 2015 - Pós Doutoramentto na área Científica do Desenho e Cultura Visual na Faculdade de Arquitetura da Universidade de Lisboa. - A reformulação dos cânones do uso das novas tecnologias digitais como elemento exponencial do registo visual obtido pelas ferramentas convencionais de desenho, gravura, fotografia e escultura . 2011 - Doutoramento em Arquitetura , Área de Comunicação Visual . Faculdade de Arquitetura - Universidade Técnica de Lisboa . Tese: Desenhar com os ácidos: A Obra de Bartolomeu Cid dos Santos. 1997 - Mestrado em Belas Artes - Gravura . Slade School of Fine Art - UCL . Londres. 1993 - Licenciatura Escultura com Distinção . Lisboa Escola de Belas Artes - Universidade de Lisboa. 1991, 1989 - Cooperativa de Gravadores Portugueses. Processos de Mixed media e Curso de litografia . - Ensina Desenho e Fotografia na Faculdade de Arquitectura da Universidade de Lisboa , desde 1998. Prémios 2011 – Prémio da Academia Nacional de Belas Artes, Prémio Escultura Gustavo Cordeiro Ramos 2011. 1992 - Prémio Juventude , III Bienal de gravura da Amadora. - 27 exposições individuais , 66 Exposições Colectivas , 17 Bienais em Portugal , 87 Exposições internacionais entre 1984-2016. 11 Obras de Arte Pública em Portugal. - Colecções Públicas : UK , British Museum, Departamento de gravuras e desenhos e Departamento de Moedas e Medalhas., Portugal, Centro de Arte Moderna, Fundação Calouste Gulbenkian e na Bélgica, França, Hungria, Bulgária, Suíça, Itália, Japão, Jugoslávia, Polónia, Roménia, EUA, China.
70 PAÍSES · 604 ARTISTAS · 1300 GRAVURAS
Exposição de inúmeras obras representativas da gravura tradicional, mas também muitos exemplos de renovadas tendências da gravura digital e dos novos media ao seu dispor, instalações, etc. Grande virtuosismo dos seus executores e demonstração do campo aberto à gravura pelas novas linguagens híbridas e técnicas não tóxicas e do seu impacto inovador no contexto da Arte Contemporânea.
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70 PAÍSES · 604 ARTISTAS · 1300 GRAVURAS
Exposição de inúmeras obras representativas da gravura tradicional, mas também muitos exemplos de renovadas tendências da gravura digital e dos novos media ao seu dispor, instalações, etc. Grande virtuosismo dos seus executores e demonstração do campo aberto à gravura pelas novas linguagens híbridas e técnicas não tóxicas e do seu impacto inovador no contexto da Arte Contemporânea.
Sandro Bracchitta nasceu em Ragusa, Itália, em 1966. Estudou em Florença ingressando em um curso de pintura na Escola de Belas Artes (Accademia di Belle Arti), recebendo o seu diploma em 1990; no mesmo ano, começou a trabalhar como pintor e gravador. A sua primeira exposição individual aconteceu em 1991 no Palazzo Datini em Prato, Itália. Em 1992, foi-lhe atribuída uma bolsa de estudo para se especializar na escola de artes gráficas "Il Bisonte" em Florença, e em 1993 começou a expor os seus trabalhos em várias exposições de arte. Em 1994 foi convidado a participar na Exposição Trienal Internacional de gravura em Chamalières (França), e no mesmo ano ganhou a 14ª edição do concurso “Mini Print International”, em Cadaqués (Espanha). De 1994 a 1997 ele foi convidado a participar em excelentes exposições nacionais e internacionais, tais como a 21º e a 22ª Bienal Internacional de Gravura de Liubliana (Eslovénia); o Prémio Internacional de Artes Gráficas em Biella (Itália); na Bienal de Ibiza, em Espanha; na Exposição Trienal de Gravura em Cracóvia (Polónia); no Museu Stedeliske de Sint Niklaas, na Bélgica; assim como na Exposição Internacional gráfica em Bitola (Macedónia), Kharkiu (Rússia), Uzice (Croácia), Györ e Budapeste (Hungria). Foi também convidado – como único representante italiano - a participar na 4ª Bienal Internacional de Sapporo, no Japão, na Exposição Trienal Gráfica em Tallin (Estónia) e na Exposição Internacional “Ex Libris” em Pequim (Républica Popular da China). No mesmo ano, foi-lhe atribuído o Grande Prémio de Gravura da “Mini Print” da Finlândia. Recebeu ainda o prémio Jovem para Gravadores Italianos no Museu de Arte Contemporânea "Villa Croce", em Génova (Itália). Em 2001 recebeu um prémio do Museu Nacional de Arte Moderna, em Tokio na Trienal Internacional de Gravura em Kanagawa e, também, um prémio do Museu Municipal em Gyor, Hungria. Em 2007, ganhou o prêmio amador “Leonardo Sciascia d'Estampes” e o prémio da Bienal Internacional de Gravura em Acqui Terme. Em 2009 recebeu o Grande Prémio na 2ª Trienal Internacional de Gravura e Desenho em Bangkok (Tailândia). Em 2011 recebeu o Prémio Aquisição na Bienal Internacional de Gravura Espacial na Coreia do Sul. No mesmo ano, foi também convidado para a 54ª Bienal de Veneza, na galeria de Montevergini de Syracuse. No momento, é gravador na Escola de Belas Artes de Palermo em Ragusa, onde também vive. Registro de reconhecimentos e prémios internacionais.
Pierre Granger, nascido na Argélia em 21 de junho de 1935. O artista vive neste momento em Brive-la-Gaillarde (França). Depois de uma carreira como professor de alemão, aposentou-se, dedicando-se à gravura desde 1988. Suas técnicas são tradicionais: água-forte, ponta seca, linólio e maneira negra (mezotinta) ocasional, mas ele também tem vindo a experimentar outros processos de impressão mais inovadores. O Seu trabalho tem sido exibido em exposições colectivas, tanto em França (na trienal eventos como a Bienal de Chamalières entre muitos outros) e no exterior, nomeadamente na Áustria e na República Checa, ganhando vários prémios. Os seus temas são variados (mitologia, celebração da árvore, viaja sobre o mundo para a descoberta, dos, sonhos e de conquistas humanas). Uma vez selecionado, cada tema é interpretado em várias gravuras, cada uma exibindo uma abordagem diferente, um desenvolvimento diferente. Participa na Bienal do Douro sem uma única excepção, desde a sua primeira edição em 2001, tendo aí recebido uma Menção Honrosa do Júri Internacional.
Celeste Cerqueira (1967) é artista e desenvolve trabalho na área das artes visuais. Possui o Mestrado em Artes Visuais – Intermédia pela Universidade de Évora com a tese “A interdisciplinaridade em algumas obras de arte contemporânea” (2007). Neste âmbito, a sua produção teórico-prática abrange novos recursos e práticas artísticas como a dinamização do grupo “What is Watt?” (desde 2001) e mais recentemente, co-produziu a Bienal Virtual apresentada em Vila Nova de Cerveira e a Bienal de Gravura do Douro. Ultimamente tem sido convidada para participar em diversas exposições, onde se destacam a exposição colectiva “Bienal da Maia – Lugares de Viagem”, no Fórum da Maia, apresentou os trabalhos de instalação “As nossas arestas” e “Paraíso” e a exposição colectiva “Desobedoc – mostra de cinema insubmisso” no cinema Batalha com a curadoria de José Maia, apresentou a obra “Quando é amanhã?”. Ainda este ano participou na exposição “Um par = Um ímpar” com o artista Silvestre Pestana no Museu Teixeira Lopes (V. N. Gaia) e na exposição “Em Construção” com o artista Pedro Ruiz, no Espaço Mira e curadoria de José Maia.
Rania (Ourania) Schoretsaniti nasceu em Trikala, Grécia. É uma pintora de icones com obras de arte nos mosteiros de Meteora, na Grécia, bem como gravadora e pintora. Estudou na Escola de Belas Artes e Artes Aplicadas na Universidade de West Macedonia, na Grécia, onde teve mestres como Yannis Ziogas em Pintura e Dimitra Siaterli em Gravura. Através do programa Erasmus passou um semestre, em Hogeschool, Países Baixos. Continuou os seus estudos de gravura na Escola de Belas Artes de Atenas, onde teve o mestre Biki Tsalamata. Atualmente, estuda na MFA da Slade School of Fine Arts, University College de Londres, onde tem como tutores Edward Allington e Lisa Milry. Tem exposições individuais e coletivas, no seu país e no estrangeiro. Os seus trabalhos podem ser encontrados em museus e coleções particulares em vários países.
Natural do Funchal (1949), Silvestre Pestana destacou-se nos anos 1970 integrado na cena artística do Porto e desenvolvendo trabalhos que, entre outros métodos, convocavam a colagem para questionar o conceito de texto e caligrafia. Recentemente, o artista tem demonstrado um interesse recorrente pelo lado performativo da luz, integrando-a em objectos para sublinhar, no contexto dos espaços expositivos, a presença de surpreendestes formas escultóricas. O artista expôs ao longo do seu percurso em lugares como a Sociedade Nacional de Belas-Artes, a Galeria Quandrum e o Museu da Electricidade, em Lisboa, e a Cooperativa Árvore ou a Galeria Alvarez, no Porto e ainda em 2016 foi homenageado com uma grande exposição retrospetiva da sua obra, no Museu de Serralves no Porto. O projecto Galeria Pública para as Artes Digitais remonta a 2005 e participa novamente nesta 8 Bienal de Gravura do Douro com obras digitais a serem apresentadas nos três painéis públicos, destinados à visualização das obras dos artistas que enviaram os seus ficheiros através da web. Neste evento foram convidados os artistas avatares Oume El Banine Slaoui (Tunisia), Ayelet Amit Yehudai (Israel) e Daniela Steele (Brasil). As obras destes artistas participantes integram-se nas dinâmicas já promovidas anteriormente que consistem em materializar a singularidade que as novas tecnologias de comunicação permitem, nomeadamente o contacto à distância e a participação activa na construção dos mundos virtuais reconhecíveis nos jogos online.
Formação:
1975 Licenciatura em Educação Artística; Interamerican University of Puerto Rico San German Campus.
1980 Mestrado em Educação Artística, Universidade de São Francisco, Califórnia.
1987 Curso de Litografia, International Summer Academy, Salzburg, Áustria.
2002 Curso de Gravura não tóxica, Programa de Pós-Graduação, Interamerican University of Puerto Rico, Professores: Consuelo Gotay e Haydeé Landing .
Experiência Profissional:
1979 – Professor de Artes Gráficas, Departamento de Belas Artes, Interamerican University of Puerto Rico, San German Campus; 2001-2004 Diretor do Programa de Arte do Deparmanento de Belas Artes , Interamerican University of Puerto Rico, San Campus alemão.
